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El artículo analiza la evolución del personaje Arthur Fleck, conocido como el Guasón, a través de su transformación en la película "Joker". Arthur no es una víctima de la sociedad, sino un producto de ella ¿Qué cambió en cinco años para que una secuela sea tan vilipendiada? ¿Por qué tanta crítica a Joker 2? ¿El problema es el Guasón? El verdadero responsable es Todd Phillips, quien nos recuerda que la vida no es justa. Se explora en la lógica del delirio, situado en tres etapas. En la primera, Arthur vive en una estabilidad melancólica, influenciado por su madre, quien le dice que debe traer alegría al mundo. A pesar de su sufrimiento y su tratamiento psiquiátrico, intenta adaptarse a su realidad, aunque su vida es trágica y llena de maltrato. La segunda etapa se caracteriza por un cambio en su percepción, donde comienza a sentir que "existe" y que las personas lo notan. Este cambio se desencadena tras un incidente violento en el metro, que lo lleva a una nueva identidad como el Guasón. En esta fase, Arthur encuentra un sentido en su locura y se siente interpelado por la sociedad, lo que lo lleva a una serie de actos violentos. Finalmente, en la tercera etapa, Arthur acepta su identidad como el Guasón, reconociendo que su vida es una "comedia". Este cambio culmina en la ruptura con su madre y la consolidación de su nueva personalidad. La secuela "Joker: Folie à Deux" profundiza en su relación con Harley Quinn, explorando la locura compartida y cuestionando la idealización del Guasón como símbolo de rebeldía.

En el marco de una investigación sobre la representación del genocidio en el cine documental, este trabajo se interroga por la representación del Holocausto en la era de las plataformas streaming. A partir de The Devil Next Door, una miniserie documental producida por Netflix sobre el caso Demjanjuk, nos preguntamos qué efectos y sentidos se construyen al abordar este caso a partir de los formatos de dicha plataforma como también recurrir a la lógica del género true crime. Para llevar adelante el análisis, luego de presentar el caso y las características del true crime audiovisual, se analiza la miniserie desde su narrativa a partir de tres niveles: el lugar del testigo –el testimonio del sobreviviente–, la presentación del relato histórico –lo que se denominará fast history– y el giro al perpetrador. A partir de las interrogaciones desplegadas, se concluye que efectivamente el Holocausto ya es parte de la cultura streaming, pero quedan abiertos nuevos interrogantes: esta miniserie documental: ¿se trata de una producción aislada o marca el inicio de un nuevo paradigma?

Tras una reflexión sobre la representación de la locura en el cine vista a través de los ojos de Freud (quien, en los años veinte, negaba al cine toda posibilidad de traducir la vida del inconsciente) y de Lacan (cuyas tesis permiten considerar el cine como un dispositivo «psicótico»), este artículo se propone analizar el modo en que I’m a Cyborg but I’m ok representa la esquizofrenia. Desplegando una amplia gama de medios para representar el delirio psicótico, el director y su equipo no se limitan a procedimientos convencionales y trillados, sino que inventan un vocabulario formal a la vez realista y de cuento de hadas. A través del retrato de una joven cuyo delirio consiste en identificarse con una máquina que necesita una fuente de alimentación, esta película permite comprender en cierta medida el funcionamiento del inconsciente develado por la enfermedad mental.

A través del análisis de Los bastardos (2008) y Heli (2013), este artículo busca caracterizar las formas de representación de la violencia en el cine del director mexicano Amat Escalante. Usando conceptos como violencia fílmica (Kendrick), poéticas de la violencia (Mongin), imagen desgarrada (Taccetta), estética del desapego (Podalsky) se realiza un análisis del discurso de las películas con la finalidad de identificar las estructuras narrativas y figurativas así como las formas de interpelación de los espectadores. A través de un trabajo con actores naturales, rodaje en escenarios reales y un lenguaje contemplativo, el cine de Amat Escalante abre un camino para la representación de la violencia caracterizada por la complejización, la contextualización la sensorialidad y el desapego. A partir de este análisis, se plantea una conceptualización de la puesta en escena de la violencia, alternativa a la normalización y la espectacularización presente en la televisión y el cine dominante.

La Joker original narra la historia de Arthur Fleck, un marginal con problemas mentales, que un día se cansa de ser abusado y reacciona con violencia, a consecuencia de lo cual termina preso. Pero el shock masivo derivado del asesinato en vivo que ha cometido lo consagra como símbolo de la pequeña gente, harta de ser abusada por los privilegiados. Joker: Folie à deux es una genial corrección a la interpretación simplista que se hizo de la primera. Harley Quinn representa al público entusiasmado con el semblante de un loco descontrolado que cree que por haber sufrido en la vida tiene derecho a matar a su antojo. Pero Fleck no quiere saber nada con su alter ego, al que aborrece. Y no busca exculparse apelando a la inimputabilidad por una supuesta patología de "doble personalidad", sino que asume la responsabilidad por sus actos. El público que consagró la primera Joker rechazó esta segunda porque ya no hay escenas de crueldad gratuita y alocada, salvo en estado onírico… lo que habla de cierto estado promedio de la sociedad actual.

La película Enemy, dirigida por el francocanadiense Denis Villeneuve, es uno de los múltiples ejemplos que ofrece el cine de la figura del doble. Entre las obras destacadas que tratan este tema podemos mencionar El Estudiante de Praga (1913) de Stellan Rye, Vértigo (1958) de Alfred Hitchcock o La doble vida de Verónica (1991) de Krzyztof Kieslowski. El protagonista de Enemy ofrece un caso muy particular de la figura del doble en tanto es un personaje escindido que roza constantemente la ambigüedad de ser una entidad física o psíquica. Sumado a ello, la fragmentación de la línea narrativa, la omisión de información y la fuerte carga simbólica de muchos elementos exigen del espectador que ordene los acontecimientos y realice una interpretación de ellos. En este contexto, el presente estudio pretende ofrecer una exégesis de la película a partir de la figura del doble, atendiendo a su estructura narrativa y sus símbolos. Para esto se retomarán los estudios de Juan Herrero Cecilia sobre el mito del doble, así como algunos de los postulados de Jung, Freud y Marcuse respecto al inconsciente y la identidad.

¿Qué implica un final de análisis? En el libro ¿Cómo terminan los análisis? Paradojas del pase (2022), Jacques-Alain Miller remite a este final, también llamado pase uno, como un momento decisivo en tanto salida estructural del análisis en que el sujeto, efecto de él, deviene analista. Miller ubicará el índice de un final de análisis auténtico en el desvanecimiento del sujeto supuesto saber, la salida de la relación transferencial y el “deser” que golpea al analista, cuya presencia había sostenido al analizante a lo largo de todo el proceso analítico, poniendo en el foco a la enunciación, efecto del propio análisis. El testimonio de un AE (Analista de la Escuela), nominación otorgada por la Asociación Mundial de Psicoanálisis (AMP), que reviste una dimensión de apuesta, resulta una instancia fundamental en la enseñanza y transmisión del psicoanálisis de la orientación lacaniana en tanto se trata de una demostración en acto de quien puede dar testimonio sobre los problemas cruciales en los puntos vivos en que se encuentra para el análisis.A continuación, el Journal Ética y Cine invita a leer este texto como participación especial de nuestro número.

Existe una tradición en cine que dice que “segundas partes nunca fueron buenas”. La frase se utiliza para objetar la realización de secuelas o nuevas versiones de obras ya consagradas, las cuales estarían destinadas al fracaso. Y efectivamente la historia del cine abunda en ejemplos que lo confirman. Pero también existen honrosas excepciones. ¿Cuándo y por qué una segunda parte puede ser un acontecimiento que resignifique la primera y la trascienda?

Esta tesis, devenida en libro, es producto de una rigurosa investigación que llevó adelante Miguel López en el marco de la Maestría en Clínica Psicoanalítica de la Universidad Nacional de San Martín.

El presente escrito forma parte del trabajo conjunto del equipo de investigación Proince: Recursos audiovisuales para la transmisión de complejidades bioéticas en el ámbito de la ciencia y la tecnología, dependiente del Departamento de Ciencias Económicas de la Universidad de La Matanza. Partimos de la hipótesis de que el cine permite una aproximación a situaciones dilemáticas complejas del ámbito del desarrollo científico tecnológico a partir del soporte afectivo, cognitivo y actitudinal. Esta triple apoyatura resulta una herramienta privilegiada para la transmisión de dilemas bioéticos en el ámbito de la ciencia, la tecnología y la economía actual. Proponemos una serie de films en los que se recortaron casos dilemáticos para el trabajo con los estudiantes. Consideramos que el acceso logopatico a los dilemas morales permite una modalidad de aprendizaje actitudinal transformador.