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Este trabalho buscou analisar a manifestação mítica de Santa Rita Pescadeira, em Torto Arado, de Itamar Vieira Junior. Calcado nos condicionamentos teóricos de Ernst Cassirer, Mircea Eliade, André Jolles e André Dabezies, com vistas a definir o alcance e os limites da transposição do mito para a literatura, adotamos como categoria analítica a personagem, delineada em dois movimentos no enredo. No primeiro, ela expressa o caráter de resistência instaurado por sua atuação na Fazenda Água Negra; e, no segundo, ocorre a sua libertação, concretizada no desfecho do relato. A analise se propôs a desenvolver, em um percurso da ficção para a realidade, uma discussão sobre a manutenção e a resistência ancestral das práticas significativas, entre a sacralização e a dessacralização. Assim, acolheu-se o pressuposto de que, ao rememorar-se na narrativa, a encantada do jarê, Santa Rita Pescadeira, não resgata somente a história dos quilombolas do sertão baiano e do Brasil. Ao colocar em evidência o legado traumático da escravidão, bem como as crenças, descrenças e esperanças a ela vinculadas, a atuação da personagem naquela comunidade possibilitou uma tomada de consciência política, de fé e de luta, demonstrando como o mito, da oralidade à escrita, atua atemporalmente na transformação da sociedade.

O artigo analisa a tradução intersemiótica do romance O Guarani, de José de Alencar, para a ópera de Carlos Gomes, Il Guarany, em relação às canções, especificamente as árias que ganham vida nas vozes de Peri e Ceci, os personagens principais. A metodologia consiste na apresentação das letras das músicas do libreto, analisando como os textos, na canção e no romance, expressam as ideias dos autores utilizando sistemas de signos diversos. Observa-se que o texto da canção, elaborado de forma a ser traduzido em ritmo, voz, dramatização e música, numa intersemiose entre os sistemas de signos que fazem parte da ópera, objetiva alcançar a expressão das ideias do autor e provocar no receptor respostas semelhantes às obtidas pelo texto do romance, ou até mais intensas, considerando que a música pode ampliar a sensibilidade do indivíduo. Conclui-se que, como um sistema multissígnico, a recepção da canção requer participação de múltiplos sentidos, processo esse impregnado da subjetividade do autor/criador e do receptor, bem como de aspectos conformadores do meio onde se efetiva a obra. Ressalta-se a performance como essencial na concretização da ideia do cancioneiro, visto que, a cada apresentação, ter-se-á uma nova canção.

Antecipando temas e pautas hoje caros, tanto à comunidade LGBTQIA+ quanto ao revisionismo do patriarcado machista e homofóbico, a escritora Cassandra Rios é uma figura relevante da resistência e pelos direitos das mulheres homossexuais no Brasil. Ao mesmo tempo que propõe um estudo pontual de uma obra da autora paulistana, este artigo denuncia a exclusão de seu nome dos cânones das grandes escritoras nacionais e a visão reducionista dos estudos literários sobre os temas de suas obras, enquanto era perseguida e censurada pelo regime militar em razão desses mesmos temas. Se no início dos anos 2000, a obra de Rios começou a receber nova luz sobre sua importância em certa época da história do País e da história literária, nos últimos anos seu nome voltou a cair em injusto esquecimento. Assim, o estudo visa uma leitura do livro Muros Altos (1962), como exemplo emblemático e forma de ampliar a compreensão de sua vitalidade na literatura brasileira.

This paper aims to analyze irony and humor as ways of questioning the female character representation in contemporary children's narratives Até as Princesas soltam pum, by Ilam Brenam (2008) and A revolta das princesas, by Céline Lamour-Crouchet (2013). These stories are analyzed as examples of children's narratives that redefine the classic ideal of princess and gender stereotypes, questioning them and even mocking them. There is, therefore, a process patriarchal discourse deconstruction and its ideological reduplications of gender roles that must be incorporated by national literature, including children's literature. The colonial discourse, based on phallocentric culture, defined a stereotype of the ideal woman that can and should be questioned by art, as a cultures product. Thus, irony and humor are mobilized as strategies to touch children, but also as narrative tools that can lead children to question the social roles that surround them, awakening their critical sense, subverting situations already known and offering different reading perspectives.

Este estudo tem por objetivo analisar as representações do feminino no conto “A nevrose da cor”, de Júlia Lopes de Almeida, a partir da perspectiva da crítica feminista e do maravilhoso, na Literatura Fantástica, a fim de destacar os modos de construção da mulher, nesta modalidade literária, sob duas óticas: a do fantástico canônico, de autoria masculina, que coloca o feminino à margem, como objeto; e a do fantástico de autoria feminina, no qual a mulher figura como protagonista. Para chegar ao objetivo pretendido, serão utilizadas, como aporte teórico, as considerações de Tzvetan Todorov (1981), Irène Bessière (2012), Francisco Vicente de Paula Júnior (2011), Elaine Showalter (1994) e Cecil Jeanine Albert Zinani (2010). O discurso androcêntrico, que postula a inferioridade do segundo sexo, ecoa, na literatura canônica, sobretudo na fantástica, representando a mulher como objeto, musa subalterna ou personificação do mal, associando-a a bruxas, demônios e seres malignos. No fantástico de autoria feminina, tal como ocorre no conto de Almeida, que tem como personagem central Issira, a mulher assume o posto de protagonista, dispondo de voz e expressando seus enfrentamentos com o homem e consigo mesma. 

O objetivo do presente estudo é analisar uma das micronarrativas presentes na obra Flores artificiais (2014) de Luiz Ruffato denominada “Uma história inverossímil”. Pretende-se refletir como os aspectos de sua construção espelham questões da sociedade e dos impactos dos trágicos acontecimentos da modernidade na identidade do sujeito.  Esses são representados pela figura do personagem Robert Willian Clarke (apelido Bobby), que, mesmo achando-se alheio aos episódios históricos, estava desde cedo sendo atingido por eles. Fora alvo da marginalização e exclusão por precisar passar pelo processo de desenraizamento e, como consequência, encarar inúmeras experiências traumáticas que transformaram toda sua identidade. Pode-se perceber que a contemporaneidade instiga os escritores à renovação de suas formas literárias para retratar as questões sociais, incorporando esteticamente a realidade à obra e situando-a como uma força transformadora. Ruffato, atento às urgências do contexto contemporâneo trabalha com a ficcionalização do autor e com a sobreposição de pontos de vistas, ao dar espaço para que Bobby vítima das agruras da guerra e do deslocamento contribua para o testemunho do que foi o século XX e suas implicações. Nesse sentido, dá continuidade às heranças literárias do realismo, destacando novas maneiras de evocar a realidade mais do que apenas pelo “efeito” do real, mas através de procedimentos que diluem as fronteiras entre realidade e ficcionalidade. A discussão proposta fundamenta-se nos estudos de Schøllhammer (2009; 2016); Santos (2001); e Rancière (2021), dentre outros.

 O presente artigo tem por objetivo discutir elementos presentes na produção poética do escritor argentino Néstor Osvaldo Perlongher, debruçando-se especificamente sobre as obras Hule (1989) e El chorreo de las iluminaciones (1992). Interessa-nos refletir acerca da composição formal dos textos, derivada da estética neobarrosa e levada a cabo pelo poeta em sua produção literária; bem como a respeito de questões políticas e sociais que consubstanciam o estilo do autor, haja vista sua participação como fundador da Frente de Liberación Homosexual Argentina (F.L.H), o exílio involuntário vivenciado durante o último regime ditatorial, no final dos anos 70, e a relevância que aspectos de ordem biográfica cumprem no desenvolvimento de sua escrita.   

Em várias obras de Clarice Lispector, pode-se identificar um padrão narrativo que consiste na presença de uma tensão constante e crescente, que culmina em uma experiência epifânica por parte das protagonistas. A presente análise argumenta que, no caso dos contos Os laços de família e Amor, ambos de 1960, a revelação epifânica vivenciada por Catarina e Ana, respectivamente, dá-se não apenas pelo olhar fenomenológico das protagonistas sobre elementos cotidianos, como é comum na obra clariciana, mas será acionada por um componente crítico a essas narrativas, a saber, o sentido freudiano do estranho despertado pela (assustadora) possibilidade do retorno ao útero materno, seja esse metafórico ou simbólico. Em outras palavras, a epifania ocorre quando as protagonistas testemunham a transmutação da sensação de estar-se protegido, em casa (heimish), no estranho (unheimlichen) e o deparar-se no estranho lar (das unheimliche Heim). No caso de Os laços de família, e com base nos estudos psicanalíticos de Melanie Klein, defendo que o contato físico involuntário entre mãe e filha constitui o gatilho para a experiência do estranho, revelando a relação conflituosa entre a mãe egoísta e a filha invejosa e a tardia compreensão da unidade do "seio bom" e do "seio mau". Em Amor, adotando como principal referencial teórico o paradigma edipiano formulado por Freud e sua associação com a lógica paterna, masculina, e com a religião monoteísta hegemônica, defendo que a visão do cego mascando chiclete - o qual representa o sujeito pré-edipiano que reintroduzirá Ana ao reino que antecede à Cultura e seus tabus - aciona a experiência epifânica por simbolizar um possível retorno às origens e, simultaneamente, à morte, com início e fim se confundindo e apontando para a unidade pré-natal ideal, experimentada no útero materno.

This article discusses the exophonic writing of Jhumpa Lahiri, a writer born in Great Britain, daughter of Indians and naturalized North American. Lahiri began her solid literary career writing in the English language and, in 2015, launched In Altre Parole, her first publication in the Italian language. This is a set of essays presenting the author's reflections on her fascination with Italian, her process of acquiring this language and her feeling of identity incompleteness, given her coexistence between Bengali and American cultures. Composing this set, “Lá Metamorfosi” stands out, an essay that constitutes the main point of this discussion and that will be debated based on its translation into English, published in 2017 under the title “The Metamorphosis”. In this essay, the author relies on Ovid's poem Metamorphoses to discuss her literary production in Italian, her own linguistic and literary metamorphosis or, as understood here, her exophonic writing. Thus, the article aims to demonstrate this author's perception of her practice. For this, the reflections on exophony presented in this text are based on studies by Chantal Wright (2008, 2013) on the subject.

The text takes Machado de Assis, who was a living black man in a slave-owning country, as an outsider who surprisingly won a captive place in Brazilian intellectual society at the end of the 19th century. From the top of Morro do Livramento he made with his writing a crossing to map a historical moment and undertake a poetic in which social criticism appears subtle and ironic. Party of the novel that fragments its poetics in two phases, Memórias Póstumas de Brás Cubas, mark the Machadian writing as cartography of a society and the unease before love and death, understanding from a psychoanalytic point of view that such themes do not cease to throw questions to culture and that can very hardly be disjointed. Keywords: Machado de Assis; Love and death; Psychoanalysis.